Year of the Dog

Año: 2007
Director: Mike White
Reparto: Molly Shannon, Peter Sarsgaard, Regina King, John C. Reilly, Laura Dern
Guión: Mike White Música: Christophe Beck
Productora: Paramount Vantage
Género: Drama
Duración: 1 hora 38 minutos

Comentario

No sólo por normas de urbanidad, sino porque le hace bien al arte, uno debe agradecer el aire fresco de los nuevos creadores. Miradas nuevas sobre los problemas de siempre o, como en este caso, sobre uno de los temas públicos "emergentes".

Pero no todo es miel sobre ojuelas, a esta película; pese a los buenos comentarios que recogió en el ambiente del cine independiente; no le ha ido tan bien a la hora de cosechar premios. Su novel director, M. White, ha sido nominado en los premios del cine independiente, crueldad de crueldades, como mejor guión . Hasta ahora éste había hecho su carrera como guionista de algunas películas de nivel medio y con llegada al circuito comercial.

La trama es muy sencilla una secretaria anodina (Molly Shanon), que cuenta como principal columna de su mundo afectivo a su perro "Lápiz", es sorprendida cuando el animalito muere de forma inesperada. De ahí en adelante su vida sufre giros inesperados, llevándola a los límites de la locura (¿O no?). Su actuación es convincente y el resto del elenco están parejos. Como buen cine independiente se cuenta con algunas licencias en cuanto al tiempo, a ratos pierde ritmo, pese a los esfuerzos que en este sentido intentó hacer el Director, en el DVD revisen las escenas eliminadas y comprenderán lo que digo. Aún así el absurdo tiene momentos delirantes.

Si bien pareceiera que la temática principal de esta película tiene que ver con ese tema "emergente" de la relación de los seres humanos con su medio, con el planeta y quienes comparten con nosotros este proceso de calentamiento global: los animales; decía, que si bien eso es lo que parece a mi más bien me impresionan las escenas, que no son pocas, que tienen que ver con la soledad humana, la carencia de afectos y como somos tan distintos y tan parecidos para enfrentar estos procesos.

En un mundo como el de hoy en donde, aparentemente, somo personas más autónomas y libres; con menos taras para desarrollarnos y ser lo que queremos; vivir la vida desde donde decidamos vivirla, expresarnos, amar a quien queramos, trabajar en lo que nos hace mejor, en fin; nos damos cuenta, que eso no es así.

Esta película es una patética constatación de aquello, pero siento que es sólo eso: una constatación. Dudo que vaya más allá de aquello, pero, bien, la sola constatación puede ser un aporte.

Con todo, que no se me vaya a mal entender, vale la pena verla, así que consigánsela en DVD porque no he tenido indicios que vaya a parar en nuestras salas de cine.

AMERICAN GANSTER

País: USA

Productora: Universal Pictures, Imagine Entertainment. Scott Free Productions

Director: Ridley Scott

Guión: Steven Zaillian

Reparto: Denzel Washington, Russell Crowe, Carla Gugino, Josh Brolin, Chiwetel Ejiofor, RZA, Ted Levine
Estreno en USA: 02/11/2007

Comentario

Desde 'Vidas Paralelas', de Plutarco, que basaba su relato en el antagonismo entre Esparta y Atenas, la tentación de mostrar almas gemelas y contrapuestas, lo oscuro y lo claro, lo adecuado e inadecuado (todo termina siempre con la confusión porque los antagonistas son, lo mismo) se ha instalado en la literatura; y,claro, el cine es una forma de literatura. Son muchas las obras fílmicas de este manido estilo, lo más reciente, con cuotas de confusión a ratos exagerada, fue 'Infiltrados' que el año pasado llevó a la cúspide de los Oscars a Martin Scorssese.

La referencia a este filme no es gratuita. Ocurre que, si las cosas se dan como lo plantean muchas publicaciones de cine, para Ridley Scott esta podría ser una fórmula que lo posicione dentro de los elegidos, tras una zigzagueante trayectoria.

American Ganster es una película de ganster que cumple con todos los ritos del estilo. Por ejemplo, una estructura de organización para delinquir basada en 'sólidos' principios éticos, el relato sostenido en asesinatos y demostraciones de autoridad y lealtad, maleantes refinados y codeados con lo mejor de la sociedad; a partir de esto último, también le trae una extensa red de protección que incluye políticos, empresarios, artistas y muchos...muchos policías. Hay, sin embargo, una diferencia no menor, esto es que el jefe de la familia es ...negro.

Bueno como tal, desde la marginalidad de una sociedad tan clásica y conservadora como la americana, este advedenizo podría tener más de una coincidencia con los inmigrantes italianos, irlandeses, hispanos, asiáticos y, ahora último, rusos; que han 'ganado espacio' en la tierra de las oportunidades en base a estructuras mafiosas. Y así ocurre aquí.

Frank Lucas (Denzel Washigton) interpreta un clásico y no por ello menos sólido jefe de familia, es un Don por donde lo miren y cumple con todos los clichés y ademanes de más siciliano de los Dones. Nace desde abajo, va ganandole a la vida y 'limpiándose' el camino con esfuerzo, afirmado en su coraje y sangre fría. Lucas se las ingenia para traficar heroína y ofrecer, oh novedades de las novedades, un producto más limpio y más barato a sus drogadictos consumidores. Una de las escenas notables, que da cuenta de este hombre de empresas, es cuando reprende a uno de sus socios poque ha alterado el producto y está perjudicando la marca del mismo, que le pertenece, si quiere seguir haciéndolo debe vender su producto con otra marca, já.

Richie Roberts (Russel Crowe) elabora un personaje más plano, demasiado parecido, es cierto, al profesor enajenado de esa película que lo hizo ganar un Oscar y lo instaló en el cine americano. Este es un policia incorruptible, al punto de ser aislado por ese hecho sospechos por sus propios compañeros. Por si no fuera suficiente con este baldón a cuestas tiene, además, que enfrentar un lio familiar con una histérica mujer. Nuestro héroe, que finalmente termina siendo menos héroe que Lucas, está muy pérdido en su búsqueda de los malos, quiere llegar al big boss y nada, hasta que por una frivolidad Lucas se muestra más allá de lo debido.

La trama está basada en la vida real, en el contexto de una América destruída políticamente por la guerra de Vietnam y socialmente por la segregación, la falta de derechos civiles, la pobreza evidenciada y ... por supuesto... la droga insertándose en forma masiva. Así que para los que quieren conocer parte de ese proceso esta es una buena aproximación y se recomienda en ese sentido.

Un poco extensa pero el relato engancha lo suficiente como para ni perderse en la madeja de personajes y hechos, ni para dormirse.

Habrá que estar atento a este filme que viene con la suficiente inversión para instalarse entre los winners de la noche de los Oscar, ya obtuvo dos Globos de Oro y la crítica la ha tratado bien, debería estrenarse en Chile, con seguridad, antes de marzo de 2008.

LEONES POR CORDEROS

Año: 2007

País: USA

Duración: 88 min

Director: Robert Redford Reparto: Robert Redford (Dr. Stephen Malley), Meryl Streep (Janine Roth), Tom Cruise (senador Jasper Irving), Michael Peña (Ernest), Andrew Garfield (Todd), Peter Berg (teniente coronel Falco), Derek Luke (Arian)

Productora: Andell Entertainment / Brat Na Pont Productions / Cruise/Wagner Productions

Comentario

Uno se puede dar cuenta de varias cosas a través de esta película de Robert Redford, pero la principal es el grado de falta de sentido de la sociedad americana. No es por una guerra inútil, ni por la fortaleza de los críticos a ellas o por la ramplonería del discurso "halcón", sino porque la discusión sobre ésta permite conocer la profundidad de la crisis del por qué se hacen las cosas.

Si es cierto, USA no es una isla ni una excepción en este proceso, pero es el imperio ¿no?. Bueno si el imperio está así de mal que queda para el resto y, especialmente, para nuestro pobre chilito.

Hago estos comentarios en un ambiente de gringos que no paran de hablar y estoy sorprendido de mis avances en la comprensión del idioma, já.

Una pregunta tan básica: ¿para qué y por qué se hacen las cosas? es tan simple como demolera en este filme Al leer la entrevista, linkeada más atrás, de R. Redford uno puede entender las motivaciones y creo que, dentro de los códigos americanos, consiguió las provocaciones que pretendía.

Son tres historias paralelas que giran en torno al momento de la guerra de Irak en USA. Un senador republicano, interpretando por T. Cruise en el, quizás, más débil desempeño del reparto, que de forma bien poco convincente pretende convencer a una periodista de la 'nueva' estrategia militar del Gobierno de Bush. La periodista, M. Steep, no se "come" ese sapo y ahí comienzan sus problemas entre la ética y su feble estabilidad económica. En otro plano un profesor idealista (Redford) intenta rescatar a uno de sus mejores alumnos, lo hace, entre otros cebos, contándole el impacto que le provocó la búsqueda de compromiso de dos alumnos marginales, uno negro y el otro hispano. Estos últimos desarrollan la tercera historia porque ambos, por darle un sentido a su vida y comprometerse con USA deciden, vaya qué decisión, enrolarse en el ejército y participar en la guerra; súmese a ello que tal participación, además de ese insumo a sus convicciones, les otorgará beneficios que desde su condición marginal les habrían estado vetados.

Una historia simple, bien contada y en el tiempo adecuado, eso siempre se agradece. La frase "Leones por Corderos" viene de una expresión de un general alemán que alababa a la tropa británica, durante la 1º Guerra Mundial, por su arrojo y compromiso, pero denostaba por pusilámines a sus generales, era una ejército de leones mandados por corderos. Queda clara la lectura de lo que se intenta decir y se encuentra en esta película. Recomendable para todos aquellos que quieran ver fotografías de nuestro tiempo y conocer un poco más del debate en la política americana.

SLOW BURN

TÍTULO ORIGINAL: Slow Burn
FECHA DE ESTRENO EN EE.UU: 13 - 04 - 2007
DIRECTOR: Wayne Beach
REPARTO: Ray Liotta, LL Cool J, Jolene Blalock, Nora Timmer, Taye Diggs, Chiwetel Ejiofor, Donny Falsetti, Bruce McGill, Mekhi Phifer
PRODUCTORA: Lionsgate
GÉNERO: Drama

COMENTARIO

Película que ha tenido varios problemas para salir a la luz, su filmación se hizo en 2005 y sólo este año fue estrenada. No verá las salas y su distribución se hace por medio del DVD.

Ford Cole (Ray Liotta) es un Fiscal de Distrito que está en la cresta de la ola, lanzando su campaña a Alcalde de la ciudad es un referente de la lucha contra el crimen organizado. Su alter ego es un mafioso que nadie ha visto, pero que está presente durante toda la trama. Cole trabaja con una ayudante de color, brillante y hermosa mujer, que, además, comparte cama con el exitoso fiscal.

Todo empieza a partir del asesinato que la ayudante del fiscal comete contra un individuo que intenta violarla en su casa. Un inicio simple que va complicándose cada vez más, instalándose una lógica camaleónica durante el resto del relato. Nada es como parece ser, a cada vuelta hay una sorpresa y todo rostro es en realidad una máscara.

El camuflaje es el principal leit motiv de esta película, aunque no tiene actuaciones descollantes ellas resultan convincentes y apropiadas. Aunque a estas alturas actores tan vistos como Liotta parecen interpretar siempre los mismos personajes.

Un Thriller que hay que seguir atentamente, prestándose y haciéndose cómplice del juego. Aunque al final hace falta un golpe de efecto más fuerte. No habían muchas ideas para ello, sino veáse la sección de las escenas descartadas.

Slow Burn, es un película interesante pero falta de sustancia. No basta con explotar la intriga, hay que jugar un poco con el espectador, hay que hacerle sentir curiosidad sobre el que vendrá. A ratos todo parece muy obvio, yo mandaría al director a ver "Nueve Reinas" para que aprenda a mantener el suspenso y el engaño, engañando de punta a cabo al espectador.

En fin, no es para volverse loco, pero fue una buena alternativa para matar la tarde del sábado.

Copiando a Beethoven

AÑO: 2006
DURACIÓN: 104 min.
PAÍS : USA
DIRECTOR Agnieszka Holland
GUIÓN Stephen J. Rivele, Christopher Wilkinson
MÚSICA: Ludwig Van Beethoven
FOTOGRAFÍA: Ashley Rowe
REPARTO : Ed Harris, Diane Kruger, Matthew Goode, Phyllida Law, Nicholas Jones, Joe Anderson
PRODUCTORA: Coproducción USA-Alemania-Hungría

COMENTARIO

Cuando uno escoge qué ver se deja llevar por los sentimientos, la curiosidad o las recomendaciones. En el caso de esta película lo hice por los primeros. Beethoven es, sin duda, mi favorito de los clásicos. Así que movido por esa fuerza irracional llegué al cine y me aventuré a sufrir la peor de las decepciones o el más furibundo de los entusiasmos.

En realidad no conseguí ni una ni otra; más bien, a ratos, sentí cierta perplejidad por algunos ripios en el relato o los diálogos y, también, experimenté momentos sublimes de la mano de la música y la ambientación.

Los críticos se han detenido, particularmente, en la interpretación de Beethoven por parte de Ed Harris, para mí es convincente... y, con eso, basta. El resto de elucubraciones son parte de la faramalla propia de la promoción del filme. Los demás personajes, más opacos, completan aceptablemente el cuadro. La puesta en escena es, a ratos, brillante, la dirección de cámaras atingente y rebuscada, especialmente en las tomas del departamento del músico. Se agradece el ingenio.

Ahora, no puedo dejar de comentar esta película a la luz de “Amadeus”, (1984) que se hiciera en tributo de W. Amadeus Mozart. Hay guiños a ella de forma evidente, la escritura de la música acompañada de acordes que le dan vida a cada trazo y abren las puertas de ese lenguaje a los neófitos como uno, maravillándonos con sonidos que pueden ser sentidos como palabras. Una de las escenas finales en que, postrado, Beethoven dicta a Anna, su copista, su incomprendida última composición para cuerdas, es una réplica del Mozart agónico “dictando-componiendo” con su rival-asesino, Salieri. Las menciones a éste no son menores, en fin. No se puede pensar la construcción de esta película sobre Beethoven sin haber existido la anterior.

Por si esto fuera poco las licencias literarias, que tanto irritan a algunos, crean situaciones ficticias que ponen en relaciones de amor y odio a personajes que, sin duda, tuvieron un peso histórico tan aplastante que no resulta creíble verlos en un escenario compartido con falsos socios o contendores.

En el cine mi amigo, Francisco Molina, me dice, a partir justamente de estas situaciones poco verosímiles: «¿ella (Anna) no existió verdad? ¿esto no pasó así?» Yo, puesto en guardia con la lectura de algunas síntesis previas y premunido de mi patente de historiador, le digo: «ella es de mentira, la música es de verdad», eso es lo que realmente creo que importa. Si el relato se ajusta exactamente a la verdad, lo que además es imposible, ¿que relevancia tiene?. Lo realmente valioso de estas historias es que nos muestran a estos monstruos en su grandeza artística ahí esta la fuerza del relato y, en ambas, se logra satisfactoriamente.

Ojo, para recordar: la escena del estreno de la 9ª Sinfonía. Después de casi 9 años de no tener obras qué ofrecer al público Beethoven llega con ésta, la mejor y más novedosa de sus sinfonías. El registro utilizado como banda sonora corresponde a la interpretación de una sinfónica de Viena, grabada en 1996, briosa y envolvente. Por 10 minutos tenemos a Beethoven frente a nuestros ojos sintiendo las vibraciones de la música, emulando la fuerza de su copista, dirigiendo desde el silencio… Notable.

La Novia Siria

Título original: The Syrian Bride

Francia 2004

Duración: 97 minutos

Clasificación: Apta para mayores de 13 años con reservas

Género: Drama

Estreno: 07/09/2006

Actores: Ashraf Barhoum, Clara Khoury, Eyad Sheety, Hiam Abbass, Makram Khoury

Músico: Cyril Morin

Director: Eran Riklis

COMENTARIO

Lo primero en aclarar, esta no es una comedia. Es mejor que eso.

Es la historia de una familia Siria que vive en los Altos del Golán y que debe "sufrir" (lo pongo entre comillas porque quiero evitar meterme en líos de este tipo) la ocupación israelí. Una familia que desenvuelve su vida en medio de un Estado policial y en donde el componente político y la defensa de la cultura propia entregan un interesante fondo al relato.

La novia debe traspasar las fronteras e ingresar a territorio sirio para casarse con un novio que no conoce sino por imágenes y referencias que salieron a la hora en que ambas familias concordaron el matrimonio. Él es un conocido comediante de la TV siria, vive en Damasco y es todo un personaje en su país, al final del filme nos damos cuenta que de él sabemos muy poco y, francamente, no importa.

Lo relevante es la familia de la novia. Un padre omnipresente, patriarca incuestionado, fiero luchador en la arena política; ha pasado las suficientes veces en cárceles israelíes como para que todos los encargados del orden lo tengan más que identificado. Una madre comprensiva, con espacio propio y desde donde intenta hacer un contrapeso a la imagen patriarcal, mientras no salga del espacio lo consigue, especialmente con sus hijas. Una hermana con problemas de pareja a puerta cerrada, madre de una hija que esboza un amor oculto con alguien no conveniente y esposa de uno que debe hacer de fuerte pero parece que no da el ancho. Y, finalmente, un hermano, hay más hermanos pero no importan, que viene casi del exilio; pero no del exilio político sino del familiar, uno que renunció a la causa, hizo su vida, se caso con una rusa y fue desconocido por su padre.

Verán, entonces, una serie de conflictos. El relato es coherente e ilustrador respecto a la realidad que viven aquellos que están vigilados día a día y tienen pequeños espacios y gestos de rebeldía. Bueno algo sabemos de ello, por historia, en estas latitudes. Buena descripción del escenario en que se debe no sólo hacer cultura sino que, virtualmente, hacer cultura o patria. Un pueblo separado de sus costumbres pero ligado atávicamente a su territorio. Por lo que se ve, también, un conflicto irresoluto e irresolvible.

En lo íntimo las dudas de una mujer que no sabe si la decisión que toma es la más adecuada, claro es una duda que tienen todas las novias y novios. Pero este caso tiene un ingrediente adicional porque ella deberá abandonar su tierra y familia para no verlas, seguramente, nunca más. Un camino sin retorno, calladamente angustioso, que es mostrado con ritmo y maestría en esta obra. Una apuesta personal por la familia y la historia, por la causa y la patria, por sobre las angustias personales y los temores existenciales.

Allí está la decisión de esta novia, que durante toda la película divaga, de forma no explícita, en estos devaneos. Finalmente la suya es una decisión que es personal, coincidente con la fuerza del proceso histórico en que vive, pero representa la búsqueda de un futuro para sí misma.

Una película para masticarla y sentirla cuadro a cuadro, se las recomiendo.

C.R.A.Z.Y.

Director : Jean-Marc Vallée
Guionistas: Jean-Marc Vallée François Boulay
Productor : Pierre Even
Coproductor: Jean-Marc Vallée
Director de fotografía : Pierre Mignot
Decorados : Patrice Bricault-Vermette
Vestuario : Ginette Magny
Montaje : Paul Jutras
Sonido : Martin Pinsonneault Yvon Benoît
Efectos especiales : Marc Côté
Reparto : Michel Côté, Marc-André Grondin, Danielle Proulx,Émile Vallée, Maxime Tremblay, Pierre-Luc Brillant, Alex Gravel, Félix-Antoine Despatie
Canada - 2005 - 125minutos - Color - 1:1´85 - 35mm

COMENTARIO

Esta es una de esas películas para ver entre hermanos, con los padres, con los abuelos, en fin una película para ver en familia. No sólo a los que crecimos entre los '60 y los '80, sino a todos los que han tenido su primer espacio de lucha por la vida, por comprender al resto y por hacerse comprender, en ese lugar donde están los que más queremos. La lucha ahí se vuelve difícil, porque estos seres queridos se transforman, con una rapidez sorprendente, de aliados en enemigos irreconciliables, de lejanos seres indolentes en aliados imprescindibles. Padres, hijos, hermanos, primos, esos que nos conocen mejor que nadie y a los que, sin embargo, nos asusta mostrar todas nuestras verdades.

De eso se trata C.R.A.Z.Y., una producción canadiense de excelente ritmo y ambientación; la historia relatada es universal y podría haber pasado en cualquier parte del mundo; eso sí, hay algo de especial sintonía con nuestro mundo porque aquí hay una familia católica, con todo lo que ello significa y que nosotros debiéramos comprender tan bien.

Desde el mundo de Zack se relata la historia de una familia de cinco hermanos hombres, obligados a compartir sus espacios, tan cercanos como tan lejanos. Zack descubre, con pavor, que ha cometido un error cuando solicitó como regalo de navidad un coche para muñecas, desde entonces es mirado con sospecha por su padre y con complicidad por su madre. De ahí en adelante la historia relata la vida de la familia con este conflicto pesonal como hilo conductor, toda la tensión está depositada en ello.

Aunque el desenclace es algo predecible y existen ciertas debilidades en el relato, mostrando episodios un tanto sensibleros, uno no se siente desfraudado tras vivir esta película. Nuestras experiencias familiares difícilmente podrían no reflejarse en más de un pasaje; y, eso, lo mantiene a uno como cómplice permanentemente.

La recreación histórica es notable y la banda sonora,... que va, está a pedir de boca. Para los más jóvenes esta podría ser una excelente oportunidad para intentar conocer a sus padres como niños y jóvenes, a entender la época, una época de convulsiones, desde las marginalidad de los sucesos históricos, desde una sociedad protagonista a medias de los grandes sucesos.

Disponible en DVD. Para verla acompañado o sólo, vale la pena.

Radio Corazón

Año: 2007
Duración: 90 min.
País: Chile
Director: Roberto Artiagoitía
Guión: Roberto Artiagoitía
Reparto: Manuela Martelli Daniel Muñoz Daniel Alcaíno Néstor Cantillana Tamara Acosta Bastián Bodenhofer Roxana Campos Katyna Huberman Felipe Braun Amparo Noguera Claudia Di Girolamo

Comentario

Esta es la segunda parte de la versión fílmica de los relatos radiales del programa "Chacotero Sentimental", pero es el primer trabajo de Roberto Artigoitía como Director y, eso, se nota.

Una comedia que podríamos identificar como "`picaresca" dentro de la tradición cultural chilena, cuenta con un ritmo disímil. De los tres relatos el primero es el que cuenta con más fuerza e invita con facilidad a la complicidad del espectador, sin ser hilarante deja un sabor dulce y agraz, como debe ser la comedia. El segundo y tercer relato, pese a algunas notables actuaciones, pierden fuerza y convicción. La segunda historia, la atracción sexual entre dos mujeres, tiene interpretaciones sólidas pero se hace fofa y predecible. La tercera, francamente, es pura caricatura, digna de una teleserie venezolana de la década del setenta pero ambientada en una familia conservadora chilena.

Y es que la sensación con la que uno se queda es que para el director las dos historias finales resultan alejadas y ajenas. Resulta ser incapaz de profundizar en la tragedia humana, la envidia, la inseguridad en los afectos, en fin, en los tópicos que abordan estos relatos. Se entiende que hay una opción por mantener la fidelidad con las confesiones que, en vivo y en directo, hacen al Rumpy sus oyentes. Pero eso no quita hacer uso de ciertas licencias para mejorar las historia. Ojo el reparo es hacia la debilidad en el guión no respecto de los aspectos audiovisuales.

Con todo el cine chileno es aún muy joven y, sin ser complacientes, debemos agradecer todas las miradas posibles hacia nuestra idiosincracia. No hay que ser tonto grave en esto y esperar, como algunos lo hacen con cada estreno, que esta sea la gran película chilena de todos los tiempos. Que va.

Acudan al cine a reirse y entender lo que Rumpy nos quiere mostrar, es algo del diálogo cultural que nos hace falta y un ejercicio visual que nunca está demás

Flyboys

Año: 2006
Duración: 139 min.
País: USA
Director: Tony Bill
Guión: Blake T. Evans, David S. Ward, Phil Sear (Original: Blake T. Evans)
Música: Tevor Rabin
Fotografía: Henry Braham
Reparto: James Franco, Marin Henderson, Jean Reno, Philip Winchester, Abdul Salis, Jennifer Decker, Tyler Labine, David Ellison, Mac McDonald, Tchéky Karyo, Ian Rose
Producción: USA-Francia; MGM/ Electric Entertainment

Comentario

Ya se encuentra en los cines su trailer, así que estará en estreno prontamente. Flyboys es un película de época, así que para los que gustan de ellas es altamente recomendable.

Se trata de un grupo de jóvenes de diverso origen y formación que, por los azares de sus propios destinos terminan unidos en la incipiente fuerza aérea francesa y en medio de la 1ª Guerra Mundial.

Todos los personajes responden a un estereotipo; el yanqui renegado, un joven de color que tiene oportunidadees en Francia y no en su América natal; un hijo de su papá que quiere rebelarse enrolándose; un "veterano", sobreviviente, angustiado por la ronda de la muerte, en fin.

Jóvenes puestos al límite y, por supuesto, como buenos héroes, a la altura de la circunstancias.

Bien uno que no ha vivido la guerra, y frente a tanta reiteración de relatos de este tipo, debe confiar en que lo relatado se acerca a la realidad. En todo caso a mi no deja de asombrarme la valentía necesaria para subirse a esa endebles y precarias máquinas de vuelo, hechas por motores, madera y lona. Pensar que eso era vanguardia.

La gran guerra, la 1ª Guerra Mundial, ha sido caracterizada en el relato histórico como la guerra de las trincheras, una de las últimas en donde la infantería (el número de combatientes y el armamento utilizado por ellos) era determinante. La tecnología y la ciencia mejoró con los años la "efectividad" de las armas por lo que aquella ha sido vista como la última guerra con muertes masivas. Claro, algunos olvidan que las armas nucleares son más letales.

En todo caso vale la pena mirar esta película con los ojos de la historia, ver la incorporación de la tecnología y la precariedad de la preparación de los combatientes, en fin.

Los creadores de Flyboys han hecho estridentes y espectaculares producciones (como el día de la Independencia), comprenderán, entonces, que los combates aéreos tienen esa cuota de efectos que hacen de esta película algo visualmente atractivo. Recomendable para los que encajen en estos gustos.

La vida en Rosa (La Môme)

Director: Olivier Dahan

Reparto: Marion Cotillard, Sylvie Testud, Emmanuelle Seigner, Gérard Depardieu, Clotilde Courau, Jean-Paul Rouve, Catherine Allegret, Pascal Greggory
Productor:Alain Goldman
Duración :02:20:00
Estreno: viernes 20 abril 2007
Género:Biografía
País :España,Reino Unido,República Checa
Distribuidora:Alta Films

Comentario

Hace ya tiempo que dejé de creer en la asepsia de los comentarios, en la objetividad de nuestros planteamientos, a la hora de expresar opiniones. La lectura de mis comentarios habrá dado cuenta de ello. Digo esto porque la vida de Edith Piaf llevada al cine no podía sino provocar en mí un cúmulo de emociones, así que aténganse a ello y resígnense a las siguientes líneas.

Ya desde pequeño mi madre me contaba retazos de esta tortuosa biografía, por ello llegué con cierto temor a sentarme al cine. Pero no, los temores se disiparon y me entregué al relato, a los saltos temporales que obligan a tener una concentración adicional y, principalmente, me entregué a la musica del gorrión de París.

Una vida llena de condenas prematuras, un accidente estadístico, dirán otros, en fin. Este es el relato de una mujer que venció todo afirmada sólo en el talento de su voz. Quizás si uno atiende a la historia de Piaf, puede entender el por qué cantó lo que cantó, porque lo hizo tan bien y porque conectó tanto, y tan simplemente, con su público.

Es una vida en donde prevalecen las sombras, sórdida, pero no por eso menos virtuosa. La música lo es todo. Antes de la exhibición pusieron en el cine las más conocidas melodías de la artista, pensé que eso podría mermar el efecto con la película pero no fue así. La combinación de un ambiente europeo marginal y pobre, una sociedad golpeada por la guerra, una élite exquisita y excluyente, la Francia de la primera mitad del siglo pasado, en fin, las imágenes mezcladas con los sonidos de la calle, de los improperios y las maldiciones, ...la sintésis de todo que es la voz de la Piaf.

Su duración asusta, pero que va!... ni se nota. Al final uno se queda mordiendo eso de la muerte y la vida, uno se queda mordiendo la muerte y la vida propia; todo se acaba, son segundos y pareciera que es conveniente secarse los ojos y decir que...al final sería bueno ser igual a ella... y no arrepentirse de nada.

Smokin's Aces (Ases Calientes)

Dirección y guión: Joe Carnahan.
Países: Reino Unido, Francia y USA.

Año: 2006.
Duración: 109 min.
Género: Acción, thriller, comedia.
Interpretación: Ben Affleck (Jack Dupree), Andy Garcia (Stanley Locke), Alicia Keys (Georgia Sykes), Jeremy Piven (Buddy 'Ases' Israel), Ray Liotta (agente Carruthers), Ryan Reynolds (agente Messner), Peter Berg ('Pistrol' Pete Deeks), Taraji Henson (Sharice Watters), Chris Pine (Darwin Tremor), Martin Henderson (Hollis Elmore), Joseph Ruskin (Primo Sparazza).
Producción: Tim Bevan y Eric Fellner.
Música: Clint Mansell.
Fotografía: Mauro Fiore
Montaje: Robert Frazen.
Diseño de producción: Martin Whist.
Vestuario: Mary Zophres.
Estreno en España: 2 Febrero 2007.

Comentario

Construída en los más ancestrales códigos, de las historias del la mafia siciliana en el país del norte, llega esta película para saciar a los siempre hambrientos de relatos de la cossa nostra.

Eso sí esta es una producción mucho menos pretenciosa y más que buscar el dejar huella y marcar puntos de inflexión en realidad lo que busca es entretener y nada más.

Si uno se entrega a este ejercicio de matar el tiempo y se presta para seguir una historia de predecible desenlace, y a uno no le provoca mayores conflictos el seguir la ruta de lo obvio, el resultado no es malo

Esta es una historia de policías y ladrones, fiel al género el relato no descansa en espectaculares efectos, ni en persecuciones por la gran ciudad; no, la fuerza de la acción está en los diálogos destemplados, las miradas cómplices y las ejecuciones frías. Se trata de un mago de Las Vegas apadrinado por la mafia que consigue éxito y dinero, sin mucho talento brilla más bien por el poder de su padrino, ¿les suena familiar la historia?. Comete, este mago, el error de su vida e intenta incursionar en los negocios de la familia, traicionando a sus protectores; el padrino agónico quiere su corazón y comienza la cacería de una serie de maldadosos que ponen condimento a la trama. La última media hora de la película se suceden los tiroteos en un Hotel de Nevada y hay un descenlace "inesperado".

Al principio la trama tiene unos baches porque la presentación del nudo de la película no está bien lograda. Eso puede agotar a cualquiera pero denle tiempo y quizás les guste.

Hechas las advertencias Uds. deciden. La cinta debiera ser estrenada pronto en Chile, cuando la vean me dicen que tal.

Rancid (Riesgo)

Reparto Patrik Ersgard, Jennifer Jostyn, Currie Graham, Michael Wiseman, Jay Acovone, Matthew Settle, Fay Masterson
Director Jack Ersgard
Productor Peter Possne, Jack Ersgard
Duración 01:48:00
Estreno (España) 18 agosto 2006
Género Acción
País Suecia
Año: 2004
Distribuidora EuroCine Films

Comentario

Una película un tanto extraña, aún no ha llegado a los cines nacionales y por su naturaleza y orígen creo difícil que podamos verla en alguno.

Una producción europea hecha en las claves detestivescas más tradicionales del cine americano. De hecho está rodada en Nueva York y es sobre la vida de un escritor fracasado, con depre, limitado y al que de un sopetón lo alcanza su pasado. Entiéndase un amor del pasado que es, justamente, la causa de su "bloqueo del escritor". La historia parece simple pero se va complicando en el camino, todo lo aparente y obvio es puesto en cuestión y se logra el objetivo de intrigar al espectador.

Aunque los personajes son clichés las actuaciones son convincentes, eso sí...y eso es lo que me pasó con esta película. No puedo dejar de comentar la ironía sobre este mundo neoyorquino que hay de parte de los productores europeos. Hay aquí un aire burlón que se siente vívidamente.

El resultado es una película bien lograda que es más que otra película de detectives, es este en parte una fotografía de la ciudad que contiene a la sociedad más europea de USA.

Para destacar los cameos en altura de la ciudad, la limpieza de la fotografía de exteriores. No hay carreras, pese al título, ni persecuciones espectaculares, nada de mal gusto.

La recomiendo pero no muy entusiastamente. No es imprescindible y quizás si sea valorable como una experiencia extraña, rara, rara.

SICKO

Director: Michael Moore
Guionista (WGA): Michael Moore
Fecha de Realización: 22 junio 2007 (USA)
Género:Documentary / Comedy

Comentario

Esta si que es primicia. Los descoloqué ¿no?. Para los que no lo sabían este es el último documental de Michael Moore de similar crítica y ácido humor que sus anteriores producciones.

Alguna vez escuché que no había nada más gratificante que reírse del poder. Incluso que era sano, para todo demócrata bien nacido, desconfíar de los poderosos de todo tipo, que la risa es una herramienta infalible para desenmascarar el boato y las caretas del discurso y ritos públicos que esconde (y protege) a quienes detentan el poder. También escuché por ahí que en un cuadro de enanos y gigantes si se caía un enano, o varios, no tenía gracia, pero si lo hacía un gigante la risa estaba segura..., por lo menos de parte de los enanos.

Así que los invito a ver esta película desde la perspectiva enana. A entregarse al ritmo del relato en off y a ser cómplices de las imágenes efectistas mostradas. Sino, francamente, pasen de esta.

Hay que entrar en el juego, dejar de lado las posturas de rigurosidad y gravedad para ayudar al director a crear esa atmósfera lúdica que intenta irradiar desde la pantalla. Por que si Uds. se la toman en la seria, si salen del cine en onda panfletaria, francamente, no habrán entrado al juego y efecto que Moore quizo lograr.

Y es que ahí, creo yo, está el principal problema de las lecturas que sobre los documentales de Moore se hacen. No son, y no tienen porque serlo, sendos estudios que respaldan tésis que cuestionan el modelo. No, son más bien una bofetada a la conciencia. Son imágenes y diálogos que intentan despertarnos de la modorra, del creer que las cosas "son así no más" y... así hay que aceptarlas.

Moore tiene un público destinario claro, los americanos, en sus caras se ríe de la ignorancia y les demuestra su pasividad. Desnuda, desde su particular perspectiva, las redes de intereses individuales de la política de USA. No se salva nadie, ni Hillary. Compara, en materia social y, particularmente desde el Sistema de Salud, Estados Unidos con Canadá (a quienes siempre los americanos los han tomado como tontos); con los Ingleses y Franceses, a partir de estos últimos les dice a sus espectadores algo así como: "esto si que es vida, no la porquería que tienen en casa". Y, finalmente, les demuestra cómo sus héroes de S/11 están siendo desatendidos y que estarían mejor en Cuba que en USA. Esta secuencia es notable y, con seguridad, despertará más de un resquemor en los círculos de poder americano.

Cuando tengan oportunidad, veánla. Una perspectiva interesante, desde el enano que todos llevamos dentro.

Le temps qui reste (El tiempo que queda)

Dirección y guión: François Ozon.

País: Francia.Año: 2005.

Duración: 90 min.

Género: Drama.

Interpretación: Melvil Poupaud (Romain), Jeanne Moreau (Laura), Valeria Bruni-Tedeschi (Jany), Daniel Duval (Padre), Marie Rivière (Madre), Christian Sengewald (Sasha), Louise-Anne Hippeau (Sophie), Henri de Lorme (Doctor), Walter Pagano (Bruno), Ugo Soussan Trabelsi (Romain [Niño]).

Producción: Olivier Delbosc y Marc Missonnier.

Música: Marc-Antoine Charpentier, Arvo Pärt y Valentin Silvestrov.

Fotografía: Jeanne Lapoirie.

Montaje: Monica Coleman.

Diseño de producción: katia Wyszkop.

Vestuario: Pascaline Chavanne.

Estreno en Francia: 30 Noviembre 2005.

(Estrenada en Chile como "Tiempo para Vivir")

Comentario

Un nieto treintón, recién notificado de los pocos meses de vida que le quedan, se acerca desesperado al único familiar que le contará la verdad: su abuela. Una escena humana y muy bien lograda es rota de un sopetón cuando el nieto, Romain (Mevil Poupad), responde a la madre de su padre que se ha acercado a ella "porque estás tan cerca de la muerte como yo"... ¿tierno no?.

Quizás si esta escena pueda resumir el espíritu de esta película. El personaje principal, debiera ser odiado desde un principio, pero no lo es porque sabemos de su enfermedad y tendemos a explicarnos "el contexto" de sus desavaríos y malos tratos hacia quienes realmente le quieren.

Es la vida de Romain, un fotógrafo de modas, gay, egocéntrico, que de la noche a la mañana es golpeado por la desgracia. Su aparente carrera ascendente se va al suelo, no sabe que hacer con el tiempo que le resta, todo se sucede muy rápido, ... en un instante se detiene y asume que ... hay cosas que no va alcanzar a hacer.

La cinta privilegia la historia, no los dialogos, la sólida actuación de Poupad lo dice todo; aunque, desde ya, la historia no permite dobles lecturas. Es la muerte, la muerte que se aparece.

Recordaba que una vez mi madre, siendo yo aún un pre adolescente, me instó a detener un rato mi vida y a decirme con toda solemnidad "algo evidente pero que creía necesario que yo supiera y pensara"; y agregó: "nacemos para morir, con el nacimiento iniciamos nuestra muerte". Quedé callado un buen rato y, los que me conocen sabrán que ese es un síntoma claro de perplejidad. Desde ahí no lo he olvidado, es una forma de ver la vida que siempre ha estado presente, ...sin ser una obsesión.

Esa conversación infantil vino a mi cabeza después de ver esta película y creo que algo parecido debiera pasarle a todos Uds., sino sería bueno que les pasara ya.

Ozon es un gran director, no lo voy a descubrir yo; es este filme se nota. Hay ritmo suficiente para saborear cada escena y posibilidad de desentrañar la naturaleza de cada personaje, cada ser humano representado. Aunque el tema podría prestarse para discursos existencialistas y sesudas reflexiones, el director no cae en aquello.

Recomendable a todo evento, ignoro si aún esté en cartelera, sino acudan a la búsqueda del DVD.

BRICK (El ladrillo)

Año de producción: 2005

Dirección: Rian Johnson

Intérpretes: Joseph Gordon-Levitt, Nora Zehetner, Lukas Haas, Noah Fleiss, Matthew O'Leary, Emilie de Ravin, Noah Segan, Meagan Good, Richard Roundtree.

Guión: Rian Johnson

Música: Nathan Johnson, Larry Seymour

Fotografía: Steve Yedlin

Distribuye en DVD: Versus

Duración: 110 min.

Público apropiado: Jóvenes

Género: Thriller

Comentario

Extaña cinta, eso sí no deja indiferente, si ese era el objetivo se logró. Cine independiente de bajo costo, mezcla de géneros, en fin; todo parece indicar que cumple con la fórmula del éxito para no pasar sin pena ni gloria. De hecho ésta no pasó inadvertida para el Jurado del Festival de Sundance 2006 que le entregó un premio especial por lo innovadora de su mirada.

Esta es una película de cine negro, que mezcla los clásicos personajes y tramas detectivescas con el ya tradicional cine para adolescentes americano.

Se trata de un perspicaz, demasiado perspicaz, joven que es buscado por el "amor de su vida", cuestión que no reconoce sino hasta el final, que está en problemas de drogas y líos de bandas de traficantes. Él, Brendan, y ella, Emily, tienen un par de diálogos en la cinta. El resto de la relación sólo puede percibirse en la desesperada búsqueda de Brendan y la angustia de la pérdida que denotan algunos rasgos del personaje, bien logrado por Joseph Gordon-Levith.

Ese es toda la trama, el resto lo constituye la forma de contarlo y el resultado extraño de la mezcla de géneros. En definitiva, apreciamos a un grupo de sórdidos adolescentes, que prescinden por completo del mundo adulto que no tienen la imagen del joven buena onda, de carrete y desenfado; sino que se muestra a personajes angustiados, condenados a ser adultos. Un crítico lo decía respecto al director de la cinta: "Johnson se agarra fuerte a una gran verdad y nos seduce con ella: La adolescencia puede ser la etapa más noir de todas". Creo que eso lo resume muy bien.

A ratos me pareció ver un capítulo de Charlie Brown, no hay adultos; bueno tampoco son necesarios. Su presencia es como las voces de instrumentos musicales que Charlie y sus amiguitos miran hacia arriba.

Brendan es el típico héroe oscuro, sin expresión y sentimientos, de aquellos que llevan la procesión por dentro, que los sabemos llenos de buenas intenciones pero tienen una careta curtida por las dificultades que deben pasar. Sino recuerden a Mel Gibson en Arma Mortal, a Bruce Willis en tanta película o a Bogart en Casablanca, en fin.

Francamente a mi la mezcla no me convenció. A ratos da risa, es cierto que una historia no necesariamente debe ser creíble, digo como réplica de la realidad, pero sino lo es a lo menos debe ser contada con un sentido lúdico que a uno lo invite a subirse a la ficción y eso, por lo menos a mí, nunca me pasó.

Como propuesta diferente, como experimento más bien, interesante. Pero si buscan otras sensaciones, pasen de esta. La cinta está considerada en algunas partes del planeta como "de culto", es decir como un producto que pocos verán, en la práctica, pero del que todos se sentirán obligados a hablar de ella en algún momento. Uds. decidan de que lado de la vereda quieren estar.

CRANCK, Veneno en la Sangre

Nacionalidad: EE. UU., Reino Unido
Rodada en formato 1.85:1 película, color
86 minutos
Acción, crimen, drama, suspenseJason Statham, Amy Smart, Efren Ramirez, Jose Cantillo, Jay Xcala, Carlos Sanz, Keone Young
Produce: Lakeshore Entertainment, Lions Gate Films, Radical Media

Comentario

Rápida, ágil y, a ratos, electrizante. No van a encontrar aquí una obra maestra que les obligue a reflexionar sobre nuestras vidas; aunque el tópico principal de ella sea la sobrevivencia.

Un matón (Chev Chevios) despierta y a tumbos inserta un dvd que le han dejado con el sugestivo mensaje: "muérete". Al observarlo se da cuenta que ha sido inoculado con una extraña sustancia y tiene, una hora más de vida. Aplicando los más básicos principios del ensayo-error aprecia que el tiempo pasa y no muere, al otro lado de la línea (y aparentemente al otro lado del mundo) su médico le confirma su juicio empírico y le dice que la clave está en mantener una alta dósis de adrenalina en la sangre, el resultado de aquella sugerencia es esta película.

les queda claro, entonces, que esta es una sucesión de situaciones e imágenes incontenibles y sin descanso. ¿recuerdan "Snacht, cerdos y diamantes"?. Bueno es el mismo director así que prepárense para un viaje de similares características.

A esa velocidad queda poco para apreciar, o disfrutar, otros aspectos de la película. Queda poco, también en la retina, para apreciar el "cambio" que esta sucesión de imágenes puede provocarnos. Pero, vamos, es una opción entretener por entretener ¿no?. Después de todo el cine nació como entretenimiento.

Una historia bien contada, con dósis de humor y de ironía, siempre vale la pena de ser vista. Entréguense a esta propuesta, que va!. Después me cuentan.

Paris J' te Aime

Dirección: Olivier Assayas, Frédéric Auburtin, Gérard Depardieu, Gurinder Chadha, Sylvain Chomet, Joel Coen, Ethan Coen, Isabel Coixet, Wes Craven, Alfonso Cuarón, Christopher Doyle, Richard LaGravenese, Vincenzo Natali, Alexander Payne, Bruno Podalydès, Walter Salles, Daniela Thomas, Oliver Schmitz, Nobuhiro Suwa, Tom Tykwer y Gus van Sant.

Países: Francia y Alemania.

Año: 2006.

Duración: 120 min.

Género: Drama romántico.

Interpretación: Catalina Sandino Moreno, Sergio Castellitto, Miranda Richardson, Leonor Watling, Juliette Binoche, Willem Dafoe, Nick Nolte, Maggie Gyllenhaal, Fanny Ardant, Wes Craven, Elijah Wood, Alexander Payne, Natalie Portman, Gérard Depardieu, Bob Hoskins, Ben Gazzara, Steve Buscemi.Guión: Emmanuel Benbihy, Bruno Podalydès, Paul Mayeda Berges, Gurinder Chandha, Gus van Sant, Ethan Coen, Joel Coen, Walter Salles, Daniella Thomas, Christopher Doyle, Gabrielle Keng, Kathy Li, Isabel Coixet, Nobuhiro Suwa, Sylvain Chomet, Alfonso Cuarón, Olivier Assayas, Olivier Schmitz, Richard LaGravenese, Vincenzo Natali, Wes Craven, Tom Tykwer, Gena Rowlands y Alexander Payne; basado en una idea original de Tristan Carné.Producción: Claudie Ossard y Emmanuel Benbihy.Música: Pierre Adenot, Christophe Monthieux, Leslie Feist, Reinhold Heil, Johnny Klimek, Marie Sabbah y Tom Tykwer.Fotografía: Bruno Delbonnel, Pascal Marti, Eric Gautier, Pascal Rabaud, David Quesemand, Pierre Aïm, Eric Guichard, Tetsuo Nagata, Gérard Stérin, Franck Griebe, Jean-Claude Larrieu, Denis Lenoir, Michael Seresin, Matthieu Poirot-Delpech, Michel Amathieu y Maxime Alexandre.Montaje: Simon Jacquet, Anne Klotz, Hisako Suwa, Alexandre Rodriguez, Luc Barnier, Isabel Meier, Stan Collet y Mathilde Bonnefoy.

Diseño de producción: Bettina von den Steinen.

Vestuario: Olivier Bériot y Pierre-Yves Gayraud.

Estreno en Francia: 21 Junio 2006.

Comentario

Ah!! Paris.

No la conozco, después de esta película, se ha convertido una obsesión el llegar a ella.

En, Casablanca, en el Rick's Caffé, un desagradable mayor nazi interroga a Rick y le dice "Ud. es de aquellos que todavía no no se acostumbra a vernos en su Paris", Rick hace una mueca de desagrado como respuesta. Pienso que la invitación a los directores que realizaron estos 18 cortos, que conforman esta película, tiene que haber sido "la oportunidad de mostrar su Paris", así por lo menos lo hizo cada uno.

Si la protagonista principal de esta película es la ciudad de Paris, cada barrio de ella, el tema es el amor, mon cheri. De distinto calibre y naturaleza. Pero, ojo, para los que somos hijos de la cultura citadina el devaneo por las calles y barrios de Paris es un verdadero placer, uno queda con ganas de tomarse un buen café y algún croissant, óh la la. Música ad hoc una fotografía inmejorable, etc.

Los relatos cortos parecen fotografías de las distintas historias, cada una encierra una pregunta y cada una deja abierto un relato. El cierre del filme se agradece, rápido y ágil, nada de filosofía profunda sólo la simplicidad de la existencia humana, del amor, de la vida en ciudad.

Este conjunto de fotografías tiradas por las calles de París reflejan pequeñas, grandes e intensas historias individuales que hacen un colectivo. Como las casas que enmarcan las calles, el conjunto de calles y plazas que forman un barrio, la suma de barrios que dan sentido a una ciudad.

Una ciudad diferente a la nuestra, más integrada, más humana, más cercana.

En particular recomiendo poner atención a la historia del muchacho ciego que se enamora de una actriz; el joven artista gay que se insinúa de una manera tan natural y que desnuda nuestros prejuicios; la turista que, con la excusa del viaje permanente, lo único que hace es buscarse a sí misma, y se encuentra; en fin relájense, sean cómplices del ritmo de cada historia...no se frustren por saber que pasará, en que terminará, porque no acabarán de hacerse la pregunta y ya estarán en otro barrio, maravillándose de las múltiples oportunidades que tiene la vida en ciudad, en especial de esa ciudad.

L' Entente Cordiale

país: Francia
año: 2006
género: ficción
dirección: Vincent De Brus
duración: 93'
fecha de estreno: FR 21/06/2006
guión: Vincent De Brus, Fabien Suarez, Sion Marciano, Arnaud Lemort
reparto: Christian Clavier, Daniel Auteuil, Jennifer Saunders, François Levantal
fotografía: Laurent Machuel
montaje: Sylvie Gadmer
escenografía: François Benezech
vestuario: Véronique Perier, Marie-Noelle Van Meerbeeck
música: Jean-Claude Camors
productor: Christian Fechner
producción: Les Films Christian Fechner, France 2 Cinéma
distribuidores: Warner Bros
ventas en el extranjero: Roissy Films

Comentario

En mi lecho de enfermo tuve la oportunidad de ver dos películas. Una, que sólo mencionaré, SOLARIS, todo un clásico pero que como tal no pretendo comentar aquí pero recomiendo a ojos cerrados.

La otra es esta películita francesa, de buen tono ágil, no liviana, comedia europea en donde hay que adivinar el humor. Películas en donde hay que entregarse y trabajar la risa. No esas comedias delirantes y obvias del mundo americano. Eso sí, esta no es la mejor en su género; nada comparable a la "Cena de los Idiotas", "Los Visitantes" o "Le Placard". Pero sirve para pasar el rato, especialmente si uno está en cama, sólo y convaleciente.

La cinta muestra, se rie más bien, de los servicios secretos que actúan en suelo europeo y de paso ridiculizan las diversas particularidades culturales del veijo contienen. La trama es simple pero está bien contada los actores principales: Daniel Auteuil (Le Placard, El Restaurant) y Cristian Clavier (Los Visitantes I y II), dan el peso suficiente a una trama absurda de principio a fin.

El relato comienza prometedor, luego se pone algo difuso y termina con un descenlase acelerado pero no obvio. Aunque francesa gran parte de la trama se desarrolla en Londres.

Buena... para no perder de vista en que están los comediantes franceses.

Recuerden que la comedia, en su sentido clásico, nada tiene que ver con el gag complaciente de los estadounidense; no la comedia, por medio de la risa, lleva a la reflexión; con el absurdo cuestiona los órdenes establecidos y debe sembrar la duda en nuestras mentes.

No por nada ese odioso monje Jorge de "En el nombre de la Rosa" busca censurar y hasta destruir la comedia y la risa "esa mueca que deforma la cara de las personas". La comedia, la comedia, esa amenaza a Dios, en palabras del monje ...por supuesto, recuerden que me recuperé de mi gripe.