Corazones Solitarios (Lonely Hearts)

Año de producción: 2006

Dirección: Todd Robinson

Intérpretes: John Travolta, James Gandolfini, Jared Leto, Salma Hayek, Scott Caan, Laura Dern, Michael Gaston.

Guión: Todd Robinson

Música: Mychael Danna

Fotografía: Peter Levy

Distribuye en DVD: Filmax

Duración: 108 min.

Público apropiado: Adultos

Extras DVD: Español e inglés 5.1. Así se hizo

Comentario

Esta cinta llegó a nuestros cines bajo el título "Amores Asesinos". Como siempre nuestras traducciones son un tanto más brutales que la delicadeza del concepto que, estéticamente, tiene esta película. Ahora, convengamos que la delicadeza del concepto no siempre calza con la brutalidad de algunos pasajes. Así es esta cinta; ... como el día va a la noche y todo lo bueno está seguido por algo malo, el "adolescente" amor surgido entre dos timadores asesinos pasa de la complicidad a la obsesión, del jugueteo de los primeros encuentros sexuales al control carnal, en fin.

Este es el primer filme de este director, ligado al cine por su participación en guiones y a esta película porque el relato está basado en la historia de su abuelo; un detective que atrapa, luego de un largo periplo e innumerables crímenes a este par de asesinos. El rol del abuelo lo interpreta el versátil John Travolta.

Si bien la historia del par de delincuentes, obsesos, débiles y mórbosos entrega un pilar aceptable al relato no lo es tanto el dilema del detective-abuelo que ha quedado bloqueado por el, inexplicable, suicidio de su mujer. Se ve todo un tanto forzado y no encaja con facilidad en el ritmo de la vertiginosa huída de los amantes-malandrines. Claro si atendemos a que el nieto cuenta la historia de abuelo y padre, podremos "entender" esta inclusión. Sólo valga decir que no todos los directores nos llevan al diván de su sicólogo, para ello hay que hacerlo bien, como algunos maestros.

Mención aparte merece las dilatadas muestras de sangre corriendo por aquí y por allá, si se quería conseguir espanto, créanlo, se logró.

Un filme de epoca, ambientado en la década del '40 del siglo pasado. La recreación, incluyendo música y vestuario, dan ese sello de encanto y horror que ocupa toda la película.

Recomendable para una tarde de verano, con cines fríos y agradables, en la pantalla todos los ingredientes señalados...., ok veánla, lo dije y ya.

MICHAEL CLAYTON

Dirección y Guión: Tony Gilroy
País: USA
Año: 2007
Duración :119 min.
Intérpretes: George Clooney (Michael Clayton); Tom Wilkison (Arthur Edens); Tilda Swinton (Karen Crowder); Sidney Pollack (Marty Bach), Michael O’Keefe (Barry Grissom); Robert Prescott (Sr. Verne).
Producción Jennifer Fox, Kerry Orent, Sidney Pollack y Steven Samuels.
Producción Ejecutiva: George Clooney, James A. Holt, Anthony Minghella y Steven Soderbergh.
Música: James Newton Howard
Fotografía: Robert Elswit
Montaje: John Gilroy
Diseño de Producción: Kevin Thompson
Vestuario: Sarah Edwards
Estreno USA: 12 Octubre 2007

COMENTARIO

Una primera advertencia respecto a esta cinta, la primera media hora se vuelve un tanto lenta y sosa, a medida que los nudos se van desatando el relato cobra una velocidad aceptable sin ser algo vertiginoso.

Michael Clayton (G. Clooney) es algo así como un cobrador de exclusiva confianza, burdo, sin modales y poco refinado. Aún cuando no es el típico rompe piernas de las películas de gángster su oficio queda claro rápidamente. Clooney, por estos días ofrecido de mediador, construye un personaje convincente dentro de la simplicidad del relato: un mediocre, casi ignorante, que evoluciona hacia planos superiores de la existencia, todo gatillado por la caída en desgracia de un amigo.

Así es, el bruto se transforma en el curso de la película hacia un personaje de sólidos valores, a la altura de las situaciones límites y haciendo lo correcto al borde de la estoicidad.

Tal evolución no es fácil de desarrollar, muchas veces el riesgo de caer en la caricatura es evidente; pero este no es el caso. El trabajo de Clooney y el director es notable. Hay un guiño en el final de la película a la manera como termina El Graduado (Mick Nichols): una cámara quieta con los títulos emergiendo sin tocar el rostro de un personaje que, aparentemente, es el mismo del principio; pero nosotros sabemos que eso no es así y, después de todo lo que ha pasado, eso es imposible. Al igual que Nichols hay aquí una crítica a la forma de vida americana, a como lo evidente no es cierto, tras las capas develadas aparece la realidad que no nos gusta; emerge la humanidad triunfante de en medio de lo superfluo, la posición, el poder y el dinero. Notable.

La película se sostiene en este personaje, aún cuando la actuación de Tom Wilkison ayuda a darle profundidad a la pugna de valores.
Como toda superproducción, no olvidemos que el Director ha hecho antes la saga de “Identidad Perdida”, los elementos técnicos no se quedan atrás y la ambientación y la música están en su justa medida.
Una sorpresa que un relato tan simple logre tanta profundidad, recomendable, sin duda.

Year of the Dog

Año: 2007
Director: Mike White
Reparto: Molly Shannon, Peter Sarsgaard, Regina King, John C. Reilly, Laura Dern
Guión: Mike White Música: Christophe Beck
Productora: Paramount Vantage
Género: Drama
Duración: 1 hora 38 minutos

Comentario

No sólo por normas de urbanidad, sino porque le hace bien al arte, uno debe agradecer el aire fresco de los nuevos creadores. Miradas nuevas sobre los problemas de siempre o, como en este caso, sobre uno de los temas públicos "emergentes".

Pero no todo es miel sobre ojuelas, a esta película; pese a los buenos comentarios que recogió en el ambiente del cine independiente; no le ha ido tan bien a la hora de cosechar premios. Su novel director, M. White, ha sido nominado en los premios del cine independiente, crueldad de crueldades, como mejor guión . Hasta ahora éste había hecho su carrera como guionista de algunas películas de nivel medio y con llegada al circuito comercial.

La trama es muy sencilla una secretaria anodina (Molly Shanon), que cuenta como principal columna de su mundo afectivo a su perro "Lápiz", es sorprendida cuando el animalito muere de forma inesperada. De ahí en adelante su vida sufre giros inesperados, llevándola a los límites de la locura (¿O no?). Su actuación es convincente y el resto del elenco están parejos. Como buen cine independiente se cuenta con algunas licencias en cuanto al tiempo, a ratos pierde ritmo, pese a los esfuerzos que en este sentido intentó hacer el Director, en el DVD revisen las escenas eliminadas y comprenderán lo que digo. Aún así el absurdo tiene momentos delirantes.

Si bien pareceiera que la temática principal de esta película tiene que ver con ese tema "emergente" de la relación de los seres humanos con su medio, con el planeta y quienes comparten con nosotros este proceso de calentamiento global: los animales; decía, que si bien eso es lo que parece a mi más bien me impresionan las escenas, que no son pocas, que tienen que ver con la soledad humana, la carencia de afectos y como somos tan distintos y tan parecidos para enfrentar estos procesos.

En un mundo como el de hoy en donde, aparentemente, somo personas más autónomas y libres; con menos taras para desarrollarnos y ser lo que queremos; vivir la vida desde donde decidamos vivirla, expresarnos, amar a quien queramos, trabajar en lo que nos hace mejor, en fin; nos damos cuenta, que eso no es así.

Esta película es una patética constatación de aquello, pero siento que es sólo eso: una constatación. Dudo que vaya más allá de aquello, pero, bien, la sola constatación puede ser un aporte.

Con todo, que no se me vaya a mal entender, vale la pena verla, así que consigánsela en DVD porque no he tenido indicios que vaya a parar en nuestras salas de cine.

AMERICAN GANSTER

País: USA

Productora: Universal Pictures, Imagine Entertainment. Scott Free Productions

Director: Ridley Scott

Guión: Steven Zaillian

Reparto: Denzel Washington, Russell Crowe, Carla Gugino, Josh Brolin, Chiwetel Ejiofor, RZA, Ted Levine
Estreno en USA: 02/11/2007

Comentario

Desde 'Vidas Paralelas', de Plutarco, que basaba su relato en el antagonismo entre Esparta y Atenas, la tentación de mostrar almas gemelas y contrapuestas, lo oscuro y lo claro, lo adecuado e inadecuado (todo termina siempre con la confusión porque los antagonistas son, lo mismo) se ha instalado en la literatura; y,claro, el cine es una forma de literatura. Son muchas las obras fílmicas de este manido estilo, lo más reciente, con cuotas de confusión a ratos exagerada, fue 'Infiltrados' que el año pasado llevó a la cúspide de los Oscars a Martin Scorssese.

La referencia a este filme no es gratuita. Ocurre que, si las cosas se dan como lo plantean muchas publicaciones de cine, para Ridley Scott esta podría ser una fórmula que lo posicione dentro de los elegidos, tras una zigzagueante trayectoria.

American Ganster es una película de ganster que cumple con todos los ritos del estilo. Por ejemplo, una estructura de organización para delinquir basada en 'sólidos' principios éticos, el relato sostenido en asesinatos y demostraciones de autoridad y lealtad, maleantes refinados y codeados con lo mejor de la sociedad; a partir de esto último, también le trae una extensa red de protección que incluye políticos, empresarios, artistas y muchos...muchos policías. Hay, sin embargo, una diferencia no menor, esto es que el jefe de la familia es ...negro.

Bueno como tal, desde la marginalidad de una sociedad tan clásica y conservadora como la americana, este advedenizo podría tener más de una coincidencia con los inmigrantes italianos, irlandeses, hispanos, asiáticos y, ahora último, rusos; que han 'ganado espacio' en la tierra de las oportunidades en base a estructuras mafiosas. Y así ocurre aquí.

Frank Lucas (Denzel Washigton) interpreta un clásico y no por ello menos sólido jefe de familia, es un Don por donde lo miren y cumple con todos los clichés y ademanes de más siciliano de los Dones. Nace desde abajo, va ganandole a la vida y 'limpiándose' el camino con esfuerzo, afirmado en su coraje y sangre fría. Lucas se las ingenia para traficar heroína y ofrecer, oh novedades de las novedades, un producto más limpio y más barato a sus drogadictos consumidores. Una de las escenas notables, que da cuenta de este hombre de empresas, es cuando reprende a uno de sus socios poque ha alterado el producto y está perjudicando la marca del mismo, que le pertenece, si quiere seguir haciéndolo debe vender su producto con otra marca, já.

Richie Roberts (Russel Crowe) elabora un personaje más plano, demasiado parecido, es cierto, al profesor enajenado de esa película que lo hizo ganar un Oscar y lo instaló en el cine americano. Este es un policia incorruptible, al punto de ser aislado por ese hecho sospechos por sus propios compañeros. Por si no fuera suficiente con este baldón a cuestas tiene, además, que enfrentar un lio familiar con una histérica mujer. Nuestro héroe, que finalmente termina siendo menos héroe que Lucas, está muy pérdido en su búsqueda de los malos, quiere llegar al big boss y nada, hasta que por una frivolidad Lucas se muestra más allá de lo debido.

La trama está basada en la vida real, en el contexto de una América destruída políticamente por la guerra de Vietnam y socialmente por la segregación, la falta de derechos civiles, la pobreza evidenciada y ... por supuesto... la droga insertándose en forma masiva. Así que para los que quieren conocer parte de ese proceso esta es una buena aproximación y se recomienda en ese sentido.

Un poco extensa pero el relato engancha lo suficiente como para ni perderse en la madeja de personajes y hechos, ni para dormirse.

Habrá que estar atento a este filme que viene con la suficiente inversión para instalarse entre los winners de la noche de los Oscar, ya obtuvo dos Globos de Oro y la crítica la ha tratado bien, debería estrenarse en Chile, con seguridad, antes de marzo de 2008.

LEONES POR CORDEROS

Año: 2007

País: USA

Duración: 88 min

Director: Robert Redford Reparto: Robert Redford (Dr. Stephen Malley), Meryl Streep (Janine Roth), Tom Cruise (senador Jasper Irving), Michael Peña (Ernest), Andrew Garfield (Todd), Peter Berg (teniente coronel Falco), Derek Luke (Arian)

Productora: Andell Entertainment / Brat Na Pont Productions / Cruise/Wagner Productions

Comentario

Uno se puede dar cuenta de varias cosas a través de esta película de Robert Redford, pero la principal es el grado de falta de sentido de la sociedad americana. No es por una guerra inútil, ni por la fortaleza de los críticos a ellas o por la ramplonería del discurso "halcón", sino porque la discusión sobre ésta permite conocer la profundidad de la crisis del por qué se hacen las cosas.

Si es cierto, USA no es una isla ni una excepción en este proceso, pero es el imperio ¿no?. Bueno si el imperio está así de mal que queda para el resto y, especialmente, para nuestro pobre chilito.

Hago estos comentarios en un ambiente de gringos que no paran de hablar y estoy sorprendido de mis avances en la comprensión del idioma, já.

Una pregunta tan básica: ¿para qué y por qué se hacen las cosas? es tan simple como demolera en este filme Al leer la entrevista, linkeada más atrás, de R. Redford uno puede entender las motivaciones y creo que, dentro de los códigos americanos, consiguió las provocaciones que pretendía.

Son tres historias paralelas que giran en torno al momento de la guerra de Irak en USA. Un senador republicano, interpretando por T. Cruise en el, quizás, más débil desempeño del reparto, que de forma bien poco convincente pretende convencer a una periodista de la 'nueva' estrategia militar del Gobierno de Bush. La periodista, M. Steep, no se "come" ese sapo y ahí comienzan sus problemas entre la ética y su feble estabilidad económica. En otro plano un profesor idealista (Redford) intenta rescatar a uno de sus mejores alumnos, lo hace, entre otros cebos, contándole el impacto que le provocó la búsqueda de compromiso de dos alumnos marginales, uno negro y el otro hispano. Estos últimos desarrollan la tercera historia porque ambos, por darle un sentido a su vida y comprometerse con USA deciden, vaya qué decisión, enrolarse en el ejército y participar en la guerra; súmese a ello que tal participación, además de ese insumo a sus convicciones, les otorgará beneficios que desde su condición marginal les habrían estado vetados.

Una historia simple, bien contada y en el tiempo adecuado, eso siempre se agradece. La frase "Leones por Corderos" viene de una expresión de un general alemán que alababa a la tropa británica, durante la 1º Guerra Mundial, por su arrojo y compromiso, pero denostaba por pusilámines a sus generales, era una ejército de leones mandados por corderos. Queda clara la lectura de lo que se intenta decir y se encuentra en esta película. Recomendable para todos aquellos que quieran ver fotografías de nuestro tiempo y conocer un poco más del debate en la política americana.

SLOW BURN

TÍTULO ORIGINAL: Slow Burn
FECHA DE ESTRENO EN EE.UU: 13 - 04 - 2007
DIRECTOR: Wayne Beach
REPARTO: Ray Liotta, LL Cool J, Jolene Blalock, Nora Timmer, Taye Diggs, Chiwetel Ejiofor, Donny Falsetti, Bruce McGill, Mekhi Phifer
PRODUCTORA: Lionsgate
GÉNERO: Drama

COMENTARIO

Película que ha tenido varios problemas para salir a la luz, su filmación se hizo en 2005 y sólo este año fue estrenada. No verá las salas y su distribución se hace por medio del DVD.

Ford Cole (Ray Liotta) es un Fiscal de Distrito que está en la cresta de la ola, lanzando su campaña a Alcalde de la ciudad es un referente de la lucha contra el crimen organizado. Su alter ego es un mafioso que nadie ha visto, pero que está presente durante toda la trama. Cole trabaja con una ayudante de color, brillante y hermosa mujer, que, además, comparte cama con el exitoso fiscal.

Todo empieza a partir del asesinato que la ayudante del fiscal comete contra un individuo que intenta violarla en su casa. Un inicio simple que va complicándose cada vez más, instalándose una lógica camaleónica durante el resto del relato. Nada es como parece ser, a cada vuelta hay una sorpresa y todo rostro es en realidad una máscara.

El camuflaje es el principal leit motiv de esta película, aunque no tiene actuaciones descollantes ellas resultan convincentes y apropiadas. Aunque a estas alturas actores tan vistos como Liotta parecen interpretar siempre los mismos personajes.

Un Thriller que hay que seguir atentamente, prestándose y haciéndose cómplice del juego. Aunque al final hace falta un golpe de efecto más fuerte. No habían muchas ideas para ello, sino veáse la sección de las escenas descartadas.

Slow Burn, es un película interesante pero falta de sustancia. No basta con explotar la intriga, hay que jugar un poco con el espectador, hay que hacerle sentir curiosidad sobre el que vendrá. A ratos todo parece muy obvio, yo mandaría al director a ver "Nueve Reinas" para que aprenda a mantener el suspenso y el engaño, engañando de punta a cabo al espectador.

En fin, no es para volverse loco, pero fue una buena alternativa para matar la tarde del sábado.

Copiando a Beethoven

AÑO: 2006
DURACIÓN: 104 min.
PAÍS : USA
DIRECTOR Agnieszka Holland
GUIÓN Stephen J. Rivele, Christopher Wilkinson
MÚSICA: Ludwig Van Beethoven
FOTOGRAFÍA: Ashley Rowe
REPARTO : Ed Harris, Diane Kruger, Matthew Goode, Phyllida Law, Nicholas Jones, Joe Anderson
PRODUCTORA: Coproducción USA-Alemania-Hungría

COMENTARIO

Cuando uno escoge qué ver se deja llevar por los sentimientos, la curiosidad o las recomendaciones. En el caso de esta película lo hice por los primeros. Beethoven es, sin duda, mi favorito de los clásicos. Así que movido por esa fuerza irracional llegué al cine y me aventuré a sufrir la peor de las decepciones o el más furibundo de los entusiasmos.

En realidad no conseguí ni una ni otra; más bien, a ratos, sentí cierta perplejidad por algunos ripios en el relato o los diálogos y, también, experimenté momentos sublimes de la mano de la música y la ambientación.

Los críticos se han detenido, particularmente, en la interpretación de Beethoven por parte de Ed Harris, para mí es convincente... y, con eso, basta. El resto de elucubraciones son parte de la faramalla propia de la promoción del filme. Los demás personajes, más opacos, completan aceptablemente el cuadro. La puesta en escena es, a ratos, brillante, la dirección de cámaras atingente y rebuscada, especialmente en las tomas del departamento del músico. Se agradece el ingenio.

Ahora, no puedo dejar de comentar esta película a la luz de “Amadeus”, (1984) que se hiciera en tributo de W. Amadeus Mozart. Hay guiños a ella de forma evidente, la escritura de la música acompañada de acordes que le dan vida a cada trazo y abren las puertas de ese lenguaje a los neófitos como uno, maravillándonos con sonidos que pueden ser sentidos como palabras. Una de las escenas finales en que, postrado, Beethoven dicta a Anna, su copista, su incomprendida última composición para cuerdas, es una réplica del Mozart agónico “dictando-componiendo” con su rival-asesino, Salieri. Las menciones a éste no son menores, en fin. No se puede pensar la construcción de esta película sobre Beethoven sin haber existido la anterior.

Por si esto fuera poco las licencias literarias, que tanto irritan a algunos, crean situaciones ficticias que ponen en relaciones de amor y odio a personajes que, sin duda, tuvieron un peso histórico tan aplastante que no resulta creíble verlos en un escenario compartido con falsos socios o contendores.

En el cine mi amigo, Francisco Molina, me dice, a partir justamente de estas situaciones poco verosímiles: «¿ella (Anna) no existió verdad? ¿esto no pasó así?» Yo, puesto en guardia con la lectura de algunas síntesis previas y premunido de mi patente de historiador, le digo: «ella es de mentira, la música es de verdad», eso es lo que realmente creo que importa. Si el relato se ajusta exactamente a la verdad, lo que además es imposible, ¿que relevancia tiene?. Lo realmente valioso de estas historias es que nos muestran a estos monstruos en su grandeza artística ahí esta la fuerza del relato y, en ambas, se logra satisfactoriamente.

Ojo, para recordar: la escena del estreno de la 9ª Sinfonía. Después de casi 9 años de no tener obras qué ofrecer al público Beethoven llega con ésta, la mejor y más novedosa de sus sinfonías. El registro utilizado como banda sonora corresponde a la interpretación de una sinfónica de Viena, grabada en 1996, briosa y envolvente. Por 10 minutos tenemos a Beethoven frente a nuestros ojos sintiendo las vibraciones de la música, emulando la fuerza de su copista, dirigiendo desde el silencio… Notable.

La Novia Siria

Título original: The Syrian Bride

Francia 2004

Duración: 97 minutos

Clasificación: Apta para mayores de 13 años con reservas

Género: Drama

Estreno: 07/09/2006

Actores: Ashraf Barhoum, Clara Khoury, Eyad Sheety, Hiam Abbass, Makram Khoury

Músico: Cyril Morin

Director: Eran Riklis

COMENTARIO

Lo primero en aclarar, esta no es una comedia. Es mejor que eso.

Es la historia de una familia Siria que vive en los Altos del Golán y que debe "sufrir" (lo pongo entre comillas porque quiero evitar meterme en líos de este tipo) la ocupación israelí. Una familia que desenvuelve su vida en medio de un Estado policial y en donde el componente político y la defensa de la cultura propia entregan un interesante fondo al relato.

La novia debe traspasar las fronteras e ingresar a territorio sirio para casarse con un novio que no conoce sino por imágenes y referencias que salieron a la hora en que ambas familias concordaron el matrimonio. Él es un conocido comediante de la TV siria, vive en Damasco y es todo un personaje en su país, al final del filme nos damos cuenta que de él sabemos muy poco y, francamente, no importa.

Lo relevante es la familia de la novia. Un padre omnipresente, patriarca incuestionado, fiero luchador en la arena política; ha pasado las suficientes veces en cárceles israelíes como para que todos los encargados del orden lo tengan más que identificado. Una madre comprensiva, con espacio propio y desde donde intenta hacer un contrapeso a la imagen patriarcal, mientras no salga del espacio lo consigue, especialmente con sus hijas. Una hermana con problemas de pareja a puerta cerrada, madre de una hija que esboza un amor oculto con alguien no conveniente y esposa de uno que debe hacer de fuerte pero parece que no da el ancho. Y, finalmente, un hermano, hay más hermanos pero no importan, que viene casi del exilio; pero no del exilio político sino del familiar, uno que renunció a la causa, hizo su vida, se caso con una rusa y fue desconocido por su padre.

Verán, entonces, una serie de conflictos. El relato es coherente e ilustrador respecto a la realidad que viven aquellos que están vigilados día a día y tienen pequeños espacios y gestos de rebeldía. Bueno algo sabemos de ello, por historia, en estas latitudes. Buena descripción del escenario en que se debe no sólo hacer cultura sino que, virtualmente, hacer cultura o patria. Un pueblo separado de sus costumbres pero ligado atávicamente a su territorio. Por lo que se ve, también, un conflicto irresoluto e irresolvible.

En lo íntimo las dudas de una mujer que no sabe si la decisión que toma es la más adecuada, claro es una duda que tienen todas las novias y novios. Pero este caso tiene un ingrediente adicional porque ella deberá abandonar su tierra y familia para no verlas, seguramente, nunca más. Un camino sin retorno, calladamente angustioso, que es mostrado con ritmo y maestría en esta obra. Una apuesta personal por la familia y la historia, por la causa y la patria, por sobre las angustias personales y los temores existenciales.

Allí está la decisión de esta novia, que durante toda la película divaga, de forma no explícita, en estos devaneos. Finalmente la suya es una decisión que es personal, coincidente con la fuerza del proceso histórico en que vive, pero representa la búsqueda de un futuro para sí misma.

Una película para masticarla y sentirla cuadro a cuadro, se las recomiendo.